Para los artistas contemporáneos, Trompe L'Oeil es mucho más que engañar a la vista

En su Historia natural, Plinio el Viejo registró una competencia de habilidad entre dos artistas. Según la obra antigua, Zeuxis pintó uvas de forma tan realista que los pájaros intentaron arrancarlas de la vid, pero cuando intentó correr la cortina que ocultaba la obra de su competidor Parrasio, descubrió que la cortina en sí era la pintura: Zeuxis pudo haber engañado. los pájaros, pero Parrahasius había engañado a sus semejantes.

Esta ilusión pictórica llegó a ser conocida como trompe l'oeil, su objetivo “engañar a la vista mediante diversas técnicas pictóricas y efectos ópticos que permiten una distracción visual en la que el espectador toma parte activa”, explicó María Eugenia Alonso, comisaria técnica de “Hiperreal: El arte del Trompe l'Oeil”, que estuvo en exhibición en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza en Madrid el año pasado. Esta técnica permite al espectador vivir una serie de experiencias, afirmó: “desde el engaño inicial hasta el descubrimiento final de que ha sido engañado”.

Los artistas del Renacimiento que conocían a Plinio emularon la técnica, pero fue en la Holanda del siglo XVII donde el trompe l'oeil se convirtió en un género pictórico independiente que seguiría cultivándose hasta bien entrado el siglo XIX. Aunque luego cayó en desgracia en Europa, fue revivido en el mismo siglo por artistas norteamericanos y continúa siendo utilizado por artistas con diversos efectos en el siglo XXI.

Quizás nos guste pensar que no nos dejamos engañar tan fácilmente como los antiguos griegos, pero en la era de las obras de arte creadas por IA y las falsificaciones profundas, ese no es necesariamente el caso. De hecho, los artistas que hoy trabajan con trompe l'oeil tal vez no estén tratando de confundirnos deliberadamente, sino más bien de alentarnos a mirar atentamente el mundo que nos rodea y cuestionar lo que vemos.

El pintor Daiya Yamamoto combina la herencia de los maestros flamencos con la pureza de la estética japonesa para crear obras exquisitas y minimalistas. En una reciente exposición individual en la Galerie Taménaga, sus obras fotorrealistas a menudo se centraban en temas que no se consideran convencionalmente atractivos: una herramienta de jardinería o flores en capullo en lugar de plena floración, por ejemplo. Pintado como si estuviera pegado al lienzo con cinta adhesiva o suspendido de un hilo fino, el resultado es sublime.

En mt masking tape (2020), Yamamoto incluso logra convertir tiras de cinta adhesiva eau de nil en una obra de asombrosa belleza meditativa. El espacio alrededor del sujeto es siempre una parte vital de la composición, ya que da espacio para contemplar los objetos que ha representado con tan notable detalle y nos anima a cuestionar nuestras ideas preconcebidas sobre lo que es y lo que no es digno de admiración.

La cinta adhesiva también aparece en la obra del pintor alemán Jochen Mühlenbrink: cinta adhesiva marrón brillante para paquetes. En un juego con la tradición del siglo XVII de representar de manera realista la parte posterior de la pintura, Mühlenbrink pinta la cinta de su paquete que une hojas de plástico de burbujas, que parecen estar envueltas alrededor de un lienzo. En otros lugares, está organizado en patrones abstractos aleatorios.

En obras como WP (2023), parte de una exposición individual reciente en Gether Contemporary, Mühlenbrink convierte el lienzo en una ventana empañada, completa con graffiti dibujado con los dedos; Las gotas resultantes parecen atravesar el vidrio empañado a medida que se deslizan por el panel. Son tan fenomenalmente reales que incluso los colegas y galeristas del artista han sido engañados, pero el mero engaño no es su objetivo, le dijo a Artsy; lo que le fascina es la distancia entre la pintura y el espectador que permite suspender la creencia.

“Dependiendo de la escala, tienes una distancia específica cuando la pintura dice 'para'. Cuando te acercas, empiezas a mirar detrás de escena, te atraen los detalles, pero ya no puedes ver la composición en tu campo visual”, dijo Mühlenbrink, señalando que para apreciar plenamente la magia de sus obras, tienen que para ser visto en persona.

Josephine Halvorson, que siempre se consideró una pintora de naturalezas muertas, dijo que el trompe l'oeil finalmente "la encontró". “Como alguien que pinta del natural, mi ambición siempre ha sido transcribir la experiencia de estar ahí y en ese momento en una pintura”, dijo. El trabajo de Halvorson incluye una serie de ventanas y puertas creadas a la misma escala que la arquitectura de la Villa Medici, donde participó en una residencia en la Academia Francesa.

Para Halvorson, el trompe l'oeil “no se trata de ilusión, engaño o engaño. Se trata más bien de conocer algo, de sensibilizarse a través de la proximidad, del tacto, de la mirada cercana y de la descripción. En otras palabras, una especie de campo de entrenamiento para ver lo real a través de la simple práctica de mirar”, dijo el artista, cuyo trabajo ha sido presentado en exposiciones individuales en ICA Boston y Storm King Art Center. "Me encontré acercándome a mis sujetos para sensibilizarme sobre sus superficies con la esperanza de descubrir las vidas incrustadas en los propios objetos".

La pintora emergente londinense Anne Carney Raines adopta un enfoque muy diferente, utilizando su experiencia en la pintura de fondos de teatro para confrontar la artificialidad del plano pictórico, así como, tal vez, nuestra propia existencia. En entrevistas, Carney Raines ha señalado que hay mucho teatro en nuestra vida cotidiana, ya sea político, en las redes sociales o en la representación de noticias falsas. En pinturas como Whiskey Throttle (2022) o The Duck (2023), crea escenas oníricas en las que el espectador se siente casi obligado a tocar.

Al centrarse en la naturaleza de la representación, el trompe l'oeil también ofrece una nueva forma de ver otros movimientos históricos del arte. Por ejemplo, una exposición reciente en el Museo Metropolitano de Arte trazó el impacto de esta seductora técnica en el cubismo, comparando los ideales y objetivos de estas dos tradiciones. Esta influencia también se extiende a los artistas contemporáneos: el cubismo es una influencia importante en las construcciones trompe l'oeil de Isidro Blasco que se componen de múltiples imágenes fotográficas del mismo espacio.

Como una pintura cubista en 3D, una obra como Breuer (2018) de Blasco rompe y vuelve a ensamblar su tema, permitiéndonos verlo desde numerosas perspectivas, lo que, curiosamente, puede parecer más una experiencia realista de percepción que un solo plano. . “Puedes mirar un objeto y obtener de él muchas reacciones diferentes. No se ve sólo una cosa”, dijo Blasco a Artsy. Dado que nuestro estado mental actual y nuestras experiencias pasadas siempre afectarán la forma en que nos relacionamos con un lugar u objeto, “el cubismo refleja un poco mejor lo que percibimos cuando abrimos los ojos”, afirmó.

Mientras los artistas contemporáneos continúan cuestionando la estética del realismo (y, de hecho, qué es real y qué no), el trompe l'oeil sigue siendo una de las técnicas más vitales y convincentes en la caja de herramientas de un artista.